segunda-feira, 13 de agosto de 2012

Quadro de acordes e Escalas

Quadro de Acordes e Escalas

A tabela abaixo lista os acordes que ocorrem com mais frequência na harmonia de jazz junto com as escalas normalmente associadas a cada acorde. Os acordes estão agrupados nas quatro categorias básicas (maior, menor, da dominante, e meio diminuto). Numa emergência, qualquer escala de qualquer acorde de qualquer uma dessas categorias pode ser usada para qualquer outro acorde naquela categoria. Há uma categoria adicional para acordes diversos no final. Há muitas outras possíveis escalas e acordes. Entretanto, essas são as mais importantes na harmonia tradicional do jazz.


        Acorde                                 Escala/Modo

                       Dó Maior, Dó Lídio, Dó Maior Bebop
 Cmaj7, Cmaj9, C6, C   Dó Maior Pentatônica, Sol Maior Pentatônica

 Cmaj7#11              Dó Lídio, Si in sen

                       Dó Dórico, Dó Menor Bebop, Dó Menor Pentatônica
 Cm7, Cm9, Cm11, Cm    Fá Maior Pentatônica, Si Bemol Maior Pentatônica
                       Mi Bemol Maior Bebop, Dó Blues, Dó Menor

                       Dó Dórico, Dó Menor Melódica, Dó Menor Pentatônica,
 Cm6, Cm               Fá Maior Pentatônica, Si Bemol Maior Pentatônica,
                       Dó Menor Bebop, Mi Bemol Maior Bebop, Ré in sen

 Cm-maj7               Dó Menor Melódica, Dó Menor Harmônica, Mi Bemol Maior Bebop

 Cm7b6                 Dó Menor, Lá Bemol Maior Pentatônica

 Cm7b9                 Dó Frígio, Dó Frígio com Sexta Maior

                       Dó Mixolídio, Dó Lídio Dominante, Dó Bebop Dominante,
 C7, C9, C13, C        Dó Blues, Dó Maior Pentatônica

 C7sus, Csus, C11      Dó Mixolídio
 Bb/C, Gm7/C           Dó Suspensa Pentatônica, Fá Maior Pentatônica

 C7#11, C7             Dó Lídio Dominante

 C7alt, C7#9#5, C7#9   Dó Alterada, Fá Menor Harmônica, Fá Menor Melódica

 C7b9b5, C7b9          Dó Diminuta ST, Fá Menor Harmônica, Fá Menor Melódica

 C7aug, C7+, C7#5      Dó de Tons Inteiros

 Cm7b5                 Dó Lócrio com Segunda Maior, Dó Lócrio

 Cdim7                 Dó Diminuta de Tons Inteiros

                       Dó Frígio, Dó Frígio com Sexta Maior, Dó Frígio Espanhol
 Cphryg                Dó in sen

 Cmaj7#5               Dó Lídia Aumentada, Dó Maior Bebop

 C7susb9               Dó Frígio com Sexta Maior, Dó Frígio
 
 

quinta-feira, 8 de dezembro de 2011

Guia para Trompetes e Cornet

Guia para Trumpet

Trompete e Cornet

Trombeteiros têm uma série sem precedentes de instrumentos que lhes permitam
para atender às demandas de hoje do desempenho exigentes (ver fig. 3.1). Na verdade, trombetas são agora encontrados acamparam nas chaves de cada nota da escala de uma oitava acima do instrumento Bb tradicional. Estes se dividem em duas categorias básicas: Bb C e trombetas para uso geral, e maior trombetas acamparam-se em D, Eb, E, F, G, BC piccolo / A, e C para orquestra e literatura de solo exige uma tessitura alta.

É justo perguntar por que tantas trombetas são necessárias. A resposta pode melhor
ser ilustrado através de um exemplo. Enquanto um jogador forte, eventualmente, ser
capaz de sustentar a gama de alta pediu na Missa de Bach B Minor em um trompete Eb, que parte da série harmônica onde os parciais queda bastante próximas umas das outras seria usado. Mudando para um trompete piccolo em A, as mesmas notas podem ser jogados mais baixo na série harmônica onde os parciais são mais amplamente separados. Isso facilita a "escolhendo" de notas de entrada e melhora a precisão. Além disso, o esforço excessivo necessário para manter a tessitura de alta sobre o maior instrumento provaria severamente fatigante. Uma pequena trompete, mais leve traz essas peças mais sob controle do jogador.

Afora a questão da precisão, o maior tom do Bb, enquanto bem
adequado para as obras de compositores mais tarde, seria inadequado para os saldos de luz necessária na orquestração de Bach. A idéia básica é fornecer o trompetista com um conjunto de instrumentos especializados para capacitá-lo para se adaptar mais facilmente ao repertório diversificado executada por orquestras de hoje.

Trombetas em chaves mais elevados não são um desenvolvimento recente. Teste, solo trompetista
da Ópera de Paris, realizada Magnificat de Bach em um trompete G tão cedo quanto 1885, e tais instrumentos têm sido disponibilizados desde aquela época. Durante o último quarto de século, no entanto, trompetes alta sofreram uma extensa pesquisa na busca de instrumentos melhorados para lidar com as demandas de montagem colocado trompetistas modernos orquestral.

Vários fatores se combinaram para criar essas pressões. A tendência de
estações mais orquestral, uma oferta excessiva de jogadores bem treinados, ea expectativa por maestros e público da exatidão nota perfeita em performances ao vivo que eles estão acostumados a em gravações têm tido o seu efeito. Mais importante, porém, é que os trompetistas principais são agora regularmente chamado a desempenhar a literatura barroca exigentes com a habilidade impecável que foi previamente reservada para jogadores excepcionais e especialistas em barroco.

Outra influência importante é o surgimento do trompete como um solo de grandes
instrumento. Assim como Jean-Pierre Rampal popularizou a flauta, e Dennis Brain o chifre, Maurice André trouxe o trompete em uma nova era de gravações solo e aparições em concertos internacionais. Uma vez que a maior parte da literatura de solo vem dos períodos barroco e clássico, a necessidade de mais ágil e sintonizar-se trombetas alta tem crescido significativamente.


A Bb C E TROMBETA

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Até o final do século 19 o trompete Bb moderna substituiu o trompete mais F como o instrumento padrão de orquestra. Enquanto a passagem do timbre de idade F trompete foi lamentada por muitos (1), os trompetistas foram confrontados com as peças de dificuldade crescente de compositores como Strauss e Mahler, eo novo instrumento se mostrou mais dócil no atendimento dessas demandas. A popularidade da corneta Bb também contribuiu para a mudança, já que muitos jogadores de orquestra também tocou a corneta e estavam acostumados com as vantagens técnicas de um instrumento em Bb. Trombetas em C também fez sua aparição sobre este tempo e tornou-se particularmente bem estabelecida na França e na Áustria.

A aceitação generalizada de apresentar a trombeta C em orquestras podem ser rastreados para a nomeação em 1920 de Georges Mager como trompete principal da Orquestra Sinfônica de Boston. Um vencedor do primeiro prémio no Conservatório de Paris e um dos maiores players deste século, Mager usou o trompete C como seu instrumento principal durante o seu mandato de 30 anos em Boston. Ele levou uma seção de trombetas C (desconhecido em orquestras da época) e estabeleceu o padrão que se tornou padrão em orquestras americanas hoje.

Entre as figuras primeira grande Boston além de adotar a trombeta C foi William Vacchiano, trompete solo da Filarmônica de Nova York, 1934 - 1973. A influência mundial de jogar bronze norte-americana, particularmente a de Adolph Herseth, trompete principal da Orquestra Sinfónica de Chicago (2), é responsável pela tendência atual em direção a trombeta C. (O uso de trombetas C na França e na Áustria continuou independente desta influência).

A tendência não é universal, no entanto. Trombeteiros britânico seguinte na grande tradição de Ernest Hall, Eskdale George e Harold Jackson mantiveram sua fidelidade à Bb, preferindo o seu tom mais redondo e as qualidades de mistura. A Bb, em certa medida manteve a sua posição em alemão e do Leste Europeu, bem orquestras.

1. Ver, por exemplo, a discussão do chifre e trompete por Ralph Vaughan Williams em The Making of Music (Ithaca, NY: Cornell University Press, 1955), p. 29.

2. Adolph Herseth é um ex-aluno de Georges Mager.

Em bandas, o Bb continua a ser o principal instrumento devido ao seu timbre mais cheio e maior capacidade de mistura dentro de um conjunto de instrumentos de sopro. A literatura para a banda é quase inteiramente escrito para o instrumento Bb e teria de ser transpostas se C trompetes eram usados. Outra área em que a trombeta C não conseguiu ganhar uma posição é no jazz e campos de estúdio. Timbre da trombeta C e características de jogo não parecem ser particularmente adaptável às exigências musicais de artistas de jazz.

Dada a tendência em jogar C trombetas de orquestra, é importante ressaltar que os trompetistas estão de acordo que os alunos devem começar e jogar com seus anos de formação no instrumento Bb. Desta forma um bom conceito tonal e produção tom será firmemente estabelecida.

Seria bom considerar o que vantagens específicas a trombeta C tem para oferecer o jogador de orquestra. O principal fator subjacente à tendência de trombetas C está relacionado à natureza de jogar com a sua orquestra longos períodos de descanso. A resposta da C parece ser mais adequado para fazer "frio" entradas do que o Bb, e oferece uma maior sensação de segurança e controle. Esse sentimento é aumentado por estar na mesma tecla que a seção de cordas. O C também parece ser mais compatível com a faixa em que a toca trompete em primeiro lugar e os contrastes extremos dinâmica necessária. O timbre da C carrega bem, e isso permite ao jogador projectar o som com um esforço ligeiramente inferior ao exigido pela Bb.

C trombetas estão agora disponíveis com uma série de combinações de boquilha e sino e estas têm contribuído para um instrumento melhorado. Jogadores americanos orquestra geralmente preferem um grande furo C, Bb e um médio-grande.

A utilização em paralelo de Bb e trombetas C é provável que continue indefinidamente. Por ter dois principais instrumentos disponíveis, o jogador é dada a máxima flexibilidade na adaptação às exigências da peça a ser executada. Houve jogar orquestra soberba no trompete Bb, bem como o C. Como utilizar estes instrumentos para melhor vantagem em última análise, continua a ser uma questão de escolha individual.

A TROMBETA D

A trombeta alta em D foi desenvolvido no final do século 19, em resposta ao entusiasmo do momento para as obras corais de cada um e Handel. Foi muitas vezes referido como um "trompete Cada", mas este nome agora é desencorajado para evitar confusão com o trompete natural, que tem desfrutado de um revival nos últimos anos. (O fundamental do trompete natural em D é uma oitava abaixo do trompete válvula.) A trombeta D ofereceu uma excelente solução para o problema de realizar as partes difíceis na Missa de Bach Minor B, Messias de Handel, e outras obras barrocas. Compositores modernos, como Ravel e Stravinsky, que também utilizou o instrumento para colorido de alta gama efeitos em algumas de suas composições.

Actualmente, existem três tipos de D trompete disponíveis: um meio-bore e bell modelo adequado como um instrumento barroco, um grande furo, que pode ser usado no lugar do Bb C ou em passagens regulares de orquestra; ea combinação D-Eb (na verdade, um trompete Eb fornecido com um conjunto de mais slides D).

Os alunos são, por vezes a impressão de que as trombetas maior fornecer "faixa instantâneas", como na relação flauta piccolo. Na verdade, os trompetistas normalmente só acrescentar uma nota ou dois acima do que pode ser jogado em seu instrumento regular. O que pode ser adquirida é um melhor controle e consistência na execução de registrar alta passagens.

Nos últimos anos, a trombeta D tem sido amplamente substituído pelo piccolo Bb / A trombeta. Quanto menor o instrumento trouxe a literatura barroca dentro das capacidades de um maior número de artistas. Ao mesmo tempo oferece segurança adicional, o furo inerentes pequenas e sino dos resultados piccolo em um timbre que é fina em comparação com a trombeta D, e está longe do tom do trompete natural do tempo de Bach. A trombeta D é um substituto mais eficaz para o trompete natural, que combina as vantagens de um instrumento de válvula e uma qualidade de som que está mais próximo do ideal barroco.

A TROMBETA Eb

Eb trombetas são usados ​​hoje principalmente no desempenho do Haydn e Hummel concertos e, ocasionalmente, para passagens de orquestra. Isto levanta um aspecto adicional do uso de trombetas alta que não está relacionada a jogar registo: algumas passagens ficam melhor em um instrumento que o outro. Por exemplo, os concertos acima podem ser reproduzidos fluentemente na Bb, no entanto, são mais orientados para o Eb que coloca o jogador na chave de trompetistas C. Muitos acham que isto facilita a digitação (especialmente em trinados) e precisão. Outros acham que o uso de um trompete Eb cria um novo conjunto de problemas, particularmente entonação e qualidade de som, e preferem permanecer com o Bb. Houve igualmente bom desempenho usando o instrumento.

O princípio da substituição de um trompete para outra se aplica a toda a gama de trombetas e oferece uma escolha do intérprete em combinar o instrumento à parte:
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Exemplos musicais

Trompetes em E, F, G E

E a trombeta foi desenvolvido especialmente para jogadores que desejam realizar o concerto de trompete Hummel em sua chave original de Mi maior. Atualmente, poucos instrumentos estão disponíveis. Um modelo personalizado é feito por Blackburn, e outra faz parte da combinação GFE Schilke bell-ajustados, que consiste de uma trombeta G com sinos intercambiáveis ​​e slides válvula para G, F, e Bell E. ajuste é um desenvolvimento recente que permite que diferentes sinos para ser usado no mesmo instrumento. Muitos jogadores sentem essa opção oferece melhores qualidades de jogo.

Trombetas F foram originalmente construídas para a parte trompete difícil em Concerto Segundo Bach Brandenburg. Eles têm agora sido amplamente substituído pelo Bb piccolo.

A trombeta G é o preferido como um instrumento barroco por jogadores que querem o tom ea sensação de um instrumento maior do que o piccolo. O G combina um timbre mais parecido com a trombeta D com algumas das vantagens de reprodução do piccolo.

O trompete piccolo

De todas as trombetas de alta, o piccolo Bb / A é a mais amplamente usados ​​hoje. Isto é devido ao amplo desenvolvimento destes instrumentos ao longo das últimas duas décadas. Trombeteiros usado pela primeira vez o Bb piccolo mais ou menos exclusivamente para o
Concerto Brandenburg segundo e para outras partes barroco que não exigem o C baixo escrito da trombeta D. Uma vez que esta nota está fora do compasso do piccolo três válvulas e figuras em número de pontos, utilize o piccolo era bastante limitada. D ou G trombetas eram normalmente utilizado para estas peças. Com a adição de uma quarta válvula, que estendeu o alcance do piccolo para baixo quarto perfeito, obras como Oratório de Natal de Bach e Messias de Handel começou a ser realizada no flautim. Encontrou-se logo que se o piccolo Bb foram alongados para A (estendendo o mouthpipe), peças escritas para o trompete D poderia ser jogado na armadura de clave de F, uma chave mais fluente e ágil do que o piccolo E grande do BB:

wpe27.gif (5270 bytes) Bach, B Minor Mass
Jogadores orquestral logo começou a usar o piccolo para não-barroco passagens, como o Bolero de Ravel e Stravinsky Petrouchka e Sagração da Primavera. Ao mesmo tempo, o piccolo foi trazida em destaque por artistas como Adolph Scherbaum e Andre Maurice ". Mais recentemente, o piccolo está desfrutando de grande popularidade no filme e campos de gravação.

A quarta válvula adiciona cinco notas a faixa do jogador abaixo do limite do piccolo três válvulas. Um subproduto é um número de dedilhados alternativos para melhorar a entonação. O 1-2-3 afiada e combinações 1-3 pode ser melhorada usando 2-4 e 4, respectivamente, um procedimento normalmente usado em quatro válvulas Eufónios e tubas. Há outras opções em todo o intervalo de Piccolo. (5)

Como afirmado anteriormente, o trompete piccolo não conceder automaticamente gama alta. O que ele faz é trazer estas notas para baixo em registrar mais estável e precisa da trombeta, aumentando o fundamental. Enquanto competências comparável é necessário realizar no registo superior de um instrumento para outro, o trompete piccolo oferece ao jogador a vantagem acústica de produzir essas notas na faixa intermediária do instrumento, proporcionando maior controle e segurança.

A escolha de um porta-voz para o trompete piccolo é altamente individual. Alguns jogadores usam suas bocal padrão para todas as trombetas de alta, enquanto outros mudam a uma profundidade menor copo e diâmetro da jante. Parafuso de rim-porta-vozes são frequentemente utilizados, que permitem que o jogador manter o aro mesmo embora alterando garganta, copo, ou backbore. (6)

A variedade de modelos piccolo estão disponíveis, a melhor maneira de selecionar a pessoa está tentando uma série de instrumentos. Certos instrumentos irá funcionar melhor para jogadores individuais do que outros. Schilke introduziu recentemente um piccolo de quatro válvulas novas vantagens C. Vários são reivindicados para este instrumento, mas é muito cedo para avaliar como será amplamente adotado.

ROTARY TROMBETAS VALVE

wpe23.gif (40,775 bytes) Existe aumento do uso de trombetas válvula rotativa em orquestras americanas (ver fig. 3.2). Isto aconteceu em resposta ao desejo de um som mais autêntico e homogênea no repertório germânico do século 19. Enquanto o trompete válvula rotativa é menos flexível em passagens técnicas, possui um tom mais escuro timbre, mais ressonante que é ideal nas obras de Beethoven, Brahms, Bruckner, Strauss, entre outros. Além disso, esses instrumentos têm uma maior capacidade de misturar-se com instrumentos de sopro e de cordas e, ao mesmo tempo produzir um maior volume de tom em passagens forte.

A trombeta válvula rotativa seguido uma linha separada de desenvolvimento e A trombeta válvula rotativa seguido uma linha separada de desenvolvimento e tem sido usado como o principal instrumento em orquestras da Europa Central há mais de um século. Instrumentos válvula de pistão, por outro lado, estavam centradas na França e Inglaterra, e de lá veio para os Estados Unidos. Hoje, trompetes válvula rotativa pode ser ouvida com grande distinção na Filarmônica de Viena e Filarmônica de Berlim, bem como grandes orquestras neste país.

Embora o furo cilíndrico da trombeta válvula rotativa é ligeiramente menor do que suas contrapartes válvula de pistão, a boquilha e campainha são decididamente maiores. O instrumento é projetado com um padrão mais amplo para evitar curvas acentuadas na tubulação.

5. Ver Vincent Cichowicz, O Piccolo BC-A Trombeta. disponível a partir do Co. Selmer; Hickman David, A Trombeta Piccolo (Denver, Cole:. Tromba, 1973); Roger Sherman, Manual do trompetista (Athens, Ohio: Accura Music, 1979), Gerald Webster, Method Trumpet Piccolo (Nashville, Tennessee, Brass Press, 1980).

6. Boquilhas piccolo comuns são o Schilke 14A4a, 13A4a, 13A4c, 11A, ou 1IX; a 7D Cada ou a gama-rim 7DW, 7E, 7EW e 10-1/2C. Cada um oferece uma backbore 117 bocais para piccolo. Os receptores de alguns trompetes piccolo são projetados para aceitar uma haste cornet, enquanto outros tomam o pernil trompete normal. Boquilhas Cornet são muitas vezes preferido e pode ser usado com um adaptador em modelos que requerem uma haste trompete.

Esses fatores, combinados com as válvulas rotativas menos resistentes, criar a impressão de um instrumento muito maiores que requerem maior apoio aéreo.

Há dois projetos básicos de trompete válvula rotativa e embora pareçam semelhantes, que têm diferentes proporções e as características tonais. Um tipo é feita pela empresa de Colónia de Josef Monke. Vários outros seguem o estilo de instrumento aperfeiçoado por FA Heckel (e mais tarde, Windisch) de Dresden. Lechner (Bischofshofen), Canter (Munique) e Yamaha queda (Hamamatsu) nesta categoria. Instrumentos são construídos em todas as teclas padrão.

Principais jogadores norte-americanos que utilizam frequentemente trombetas válvula rotativa são Adolph Herseth (Chicago Symphony) e Charles Schlueter (Boston Symphony). Na Europa, Adolf Holler (Filarmônica de Viena), Konradin Groth e Martin Kretzer (PhiIharmonic Berlin) tocar o instrumento exclusivamente.

O CORNET

wpe25.gif (29,662 bytes) Tem havido um notável ressurgimento de interesse na corneta nos últimos anos. A maioria dos grandes fabricantes desenvolveram novas linhas ou curto tradicional estão sendo revivido em bandas para conferir autenticidade ao repertório originalmente escrito para eles (ver fig. 3.3). Condutores estão interessados ​​em conseguir uma sonoridade autêntica em obras como Gustav Hoist de suites para banda militar e Ralph Vaughan Williams Toccatta Marziale. Bandas de música estão desfrutando de crescente popularidade nos Estados Unidos, e isso constitui um mercado em desenvolvimento de alta qualidade buzinas. Em orquestras, cornetas estão sendo usados ​​com mais freqüência quando especificado pelo compositor. No passado, essas peças eram normalmente jogados em trombetas, negando assim o efeito de cor contrastante tom entre cornetas e trombetas que se destinava por Berlioz, Franck e outros.

Deve haver uma diferença significativa em tom e estilo entre trompete e corneta. Cornet tom genuíno é mais escuro e mais maduro do que o claro, tocando trompete e timbre deve ser colorida, com um vibrato expressivo. Como um timbre só pode ser alcançado através da utilização de um bocal com um copo distintamente mais profunda e mais cônico. Trompetistas usam freqüentemente o porta-voz mesmo com uma pequena haste ao executar na corneta, perdendo assim muito do contraste inerente à dois instrumentos. O único porta-vozes cornet tradicionais disponíveis nos Estados Unidos são os modelos Denis Wick, que foram concebidos em colaboração com os principais cornetists britânico. No intervalo de cada, apenas 5A as abordagens a profundidade copo necessários.

Para um número de anos ", longa-modelo" cornetas foram produzidos pela maioria dos fabricantes. Estas são construídas em mais de um padrão de trompete e omitir o tradicional "crook pastor" da seção de sino. As mudanças afetam o timbre, infelizmente, que está mais perto do trompete do que a corneta.

A corneta está no seu melhor em passagens melódicas onde a sua suave, tom de voz semelhante pode ser notavelmente expressiva. Outro trunfo é a sua agilidade extraordinária, o que supera o do trompete. A melhor maneira de formar um conceito de tom cornet genuína e estilo é procurar gravações dos muitos excelentes bandas de música britânica. Estas bandas têm uma tradição ininterrupta de desempenho que remontam ao século 19 e têm mantido seu estilo independente da influência do trompete e tocando bronze moderna orquestra. Outra excelente fonte é bandas Salvation Army bronze onde um prêmio é colocado sobre a expressão melódica. De particular interesse é uma gravação produzida pelo Sindicato Internacional de Trompete performances do lendário Herbert L. Clarke namoro 1904-1921 (Crystal S450). cornetas também são feitos em Eb e são usados ​​exclusivamente em bandas de música. A corneta Eb é a mais alta voz da banda de metais e é uma parte importante de solo. Cornetas são ocasionalmente feitas em C, mas são raros hoje em dia.

As Trombetas EM USO

Com a vasta gama de trombetas disponível, pode ser útil saber quais os instrumentos que são necessários pelos jogadores em diversas situações. Os alunos devem ter pouca necessidade de qualquer instrumento além do trompete Bb ou corneta, a menos que aspiram a principal em trompete na faculdade ou nível de conservatório. Nesses casos, quatro trompetes serão necessários: Bb, C, EC / D, e piccolo BC / A. Jogadores profissionais sinfônica geralmente têm vários instrumentos de cada tipo, com instrumentos individuais oferecendo diferentes qualidades de jogo. Além disso, o profissional pode possuir diversos trombetas válvula rotativa, um trompete G, corneta Bb, e flugelhorn. Músicos de jazz e estúdio geralmente preferem um trompete Bb de peso mais leve do que o instrumento de orquestra, e também tem disponível um flugelhorn e, possivelmente, um trompete piccolo.

Vale a pena para condutores do ensino médio e bandas da faculdade a disponibilizar um conjunto de cornetas para o empréstimo, quando desejado. Da mesma forma, condutores de orquestras escolares e jovens devem ter um C poucas trombetas disponíveis

terça-feira, 26 de julho de 2011

Conceito! Música.

Música



A música é, sem dúvida, uma das mais interessantes e criativas manifestações do espírito humano. Apesar das diferenças entre uma filarmônica e um show de rock, ambos tem a mesma base: a escala musical. Além da beleza das músicas que pode produzir, a seqüência , , , , sol, , , guarda dentro de si as relações matemáticas, associadas ao som correspondente a cada nota musical.
O som é produzido por objetos em vibração como, por exemplo as hastes de um diapasão, o diafragma de um alto-falante ou ainda uma corda esticada e depois dedilhada. Ela vibra e produz um som. Mas nem sempre o que nós ouvimos pode ser considerado um som, ele pode ser assim dividido:
  • Som é o resultado de uma freqüência constante, ou seja, uma vibração regular.
  • Ruído é o resultado de uma freqüência não constante, ou seja, irregular

Qualidades do som
  • Altura é a qualidade que nos permite classificar os sons em agudos(altos) e baixo(graves).
  • Graves com a freqüência menor, mais "grossa", como a voz masculina.
  • Agudos com a freqüência maior, mais "fina", como a voz feminina.
  • Intensidade é a qualidade que nos permite um som forte de outro mais fraco, ou que podemos chamar de "volume".
  • Forte de amplitude maior, como o ronco da motocicleta.
  • Fraco de amplitude menor, como zumbido de um inseto.
  • Timbre é a qualidade que nos permite distinguir os sons de mesma altura e de mesma intensidade, mas emitidos por fontes distintas.
Música = Arte científica de combinar os sons de modo agradável ao ouvido, obedecendo aos critérios do ritmo, melodia e harmonia.
Rítimo = São movimentos em tempos fracos e fortes com intervalos regulares. O rítimo faz a música andar.
Melodia = Sucessão rítmica, ascendente ou descendente de sons simples, a intervalos diferentes e que encerram certo sentido musical. A melodia faz a música ter vida.
Harmonia = São notas diferentes executadas juntas em conformidade ou em harmonia entre si formando uma cossonância lógica. Sua função é dar vida a música.
Em síntese, a música é feita pela execução de acordes diferentes, mas que tenham coerência entre elas.
Os Acordes
Antes de tudo, quero deixar uma coisa bem definida: Nota é diferente de Acorde pois:
Nota = É a menor divisão de um acorde, ou seja qualquer barulho é uma nota.
As notas, por sua vez, estão contidas dentro de uma série de oito notas musicais mais conhecida como "escala cromática" com intervalos de tom e semitons entre uma nota e outra, começando e terminando com a mesma nota, Ex.: Dó, Ré, Mí, Fá, Sol, Lá, Sí,Dó.
Acorde = É a união de várias notas, em harmonia, formando assim um único som.
Os acordes podem ser classificados em:
  • Maiores = São as notas puras, sem nenhuma distorção ou mistura com outras notas, ex.: C, D, E, F, G...
  • Menores = É a união de três tons e um semitom.
  • Sustenido = Faz com que a nota seja enviada seja elevada meio tom. C#m, G#, F#m, etc...
  • Bemol = Faz com que a nota seja abaixada meio tom, ex.: Bb, Ab, etc...
  • Dissonantes = É uma nota que causa uma dissonância e produz uma distorção e não condiz com o real absoluto, deixando o iniciante confuso e ao iniciante fascinado! ex.: A4, B5+, etc...
  • Consonantes = São notas que se misturam à outras, ex.: C/G, G/F, etc....
  • Tom = É a distância entre dois tons, ex.: C-D,F-G, etc...
  • Semitom = É a menor distância entre dois tons, ex.:C-C#, D-D#, etc...
Para que todo o mundo falasse a mesma linguagem na música, foi desenvolvido um sistema, que consiste em representar as notas e os acordes pelas letras do nosso alfabeto, em qualquer parte do mundo a representação será a mesma.

Ritmo


O ritmo musical é um acontecimento sonoro, tenha ele altura definida ou não, que acontece numa certa regularidade temporal. É a ordenação dos sons de acordo com padrões musicais estabelecidos. É a variação da duração e acentuação de uma série de sons ou eventos. Na música ocidental, os ritmos estão em geral relacionados com uma fórmula de compasso e seu andamento, que implica uma métrica. O valor do pulso subjacente, chamada batida, é o tempo. A duração da métrica divide-se quase exclusivamente em duas ou três batidas, chamando-se assim métrica dupla ou métrica tripla, respectivamente. Se cada batida for dividida a seguir em duas, chama-se métrica simples, se se dividir em três, chama-se métrica composta.
Músicos fazem ritmos com seus instrumentos musicais. Uma das funções do músico é a perceber e medir o tempo. A gente conscientemente sente, forma, divide e compõem o tempo para transmitir um sentimento. Todos os músicos, compositores, regentes, instrumentistas e vocalistas trabalham com o ritmo, mas na música moderna uma seção rítmica geralmente consiste de instrumentos de percussão, um baixo (não necessariamente o instrumento de cordas) e possivelmente de instrumentos de cordas (por exemplo, a guitarra ou o banjo) e instrumentos de teclas, como o piano.
O uso que os géneros musicais fazem do ritmo varia. A maior parte da música ocidental baseia-se num ritmo divisivo, ao passo que a música não-ocidental usa mais ritmos aditivos. A música africana faz um uso intenso de polirritmos, e a música indiana usa ciclos complexos, como 7 ou 13, enquanto que a música balinesa usa frequentemente ritmos entrecruzados. Comparativamente, muita da música clássica ocidental é bastante simples no que diz respeito ao ritmo: não sai de uma métrica simples, como ritmo duplo simples, 2/4; triplo simples, 3/4; duplo composto 6/8; e triplo composto 9/8, em base; e usa pouco a sincopação. No século XX, compositores como Igor Stravinsky, Philip Glass, e Steve Reich escreveram música de maior complexidade rítmica, usando métricas estranhas e técnicas como o faseamento ou o ritmo aditivo. Ao mesmo tempo, modernistas como Olivier Messiaen e os seus seguidores usaram um aumento na complexidade para quebrar a sensação de uma batida regular, o que levou ao uso generalizado de ritmos irracionais na Nova Complexidade. LaMonte Young também escreveu música na qual a sensação de uma batida regular está ausente, porque a sua música consiste apenas de longos tons sustentados (drone).
A clave (ritmo) é um ritmo subjacente comum na música africana, cubana e brasileira.



Ritmo vem do grego Rhytmos e designa aquilo que flui, que se move, movimento regulado. O ritmo está inserido em tudo na nossa vida.
Nas artes, como na vida, o ritmo está presente. Vemos isso na música e no poema. Temos a nos reger vários ritmos biológicos que estão sujeitas a evoluções rítmicas como o dos batimentos cardíacos, da respiração, do sono e vigília etc. Até no andar temos um ritmo próprio.[1]

Conceito

Ritmo é o tempo que demora a repetir-se um qualquer fenômeno repetitivo, mas a palavra é normalmente usada para falar do ritmo quando associado à onde designa a variação (explícita ou implícita) da duração de sons com o tempo. Quando se rege por regras, chama-se métrica. O estudo do ritmo, entoação e intensidade do discurso chama-se prosódia e é um tópico pertencente à linguística. Na música, todos os instrumentistas lidam com o ritmo, mas é freqüentemente encarado como o domínio principal dos bateristas e percussionistas.
Segundo alguns autores, os conceitos de ritmo podem variarjhy

quinta-feira, 22 de abril de 2010

Tablatura x Partitura

Tablatura X Partitura


A discussão sobre a utilidade e a praticidade da escrita em partitura e tablatura é muito comum entre os estudantes de música e minha intenção é falar sobre a importância da escrita musical e dar dicas de como estudá-la, baseada na minha experiência como músico .A tablatura é sem dúvida a forma mais popular de escrita usada atualmente para o violão popular , a guitarra e o baixo elétrico. A tablatura tem uma linguagem e representação visual muito simples e direta, sendo acessível mesmo aos que estão começando a estudar música. Mesmo as técnicas mais comuns, como bend e slide, são representadas de forma clara e objetiva. Mas o que falta à tablatura para que ela substitua a mais que centenária partitura ? a resposta é simples : a tablatura perde feio para uma partitura com relação a duração dos sons, a sua interpretação e sua execução . Para exemplificar , pense no seguinte exemplo : você acessa a internet e pesquisa sobre tablaturas de músicas da sua banda preferida. Se você conhece perfeitamente as músicas achadas, já é meio-caminho andado, basta ter paciência para decorar as partes e ouvir o cd para acertar os tempos . Mas se você nunca ouviu a música antes , o que fazer ? estará nas suas mãos uma seqüência de números, representando riffs, acordes, solos e todos os detalhes da música, mas isso será útil ? você conseguirá tocar está música como ela realmente é ? a resposta provavelmente é não ! Isso não tira a validade da tablatura, mas um complemento não cairia nada mal ..... Com a partitura, tudo fica mais óbvio : ela contém a indicação do andamento da música, a fórmula de compasso indicará toda a divisão das durações das notas musicais, a música estará escrita na integra e de quebra você terá uma série de detalhes de interpretação minuciosamente escritos ..... é possível tocar uma música que nunca ouvimos tendo somente a partitura em mãos ? sim , pois ela é feita exatamente para isso, embora uma boa audição da música ajuda e muito na sua leitura, seja pelo lado da interpretação dos músicos ou para nos familiarizarmos com o estilo, efeitos, etc. Existe um meio-termo ? é claro que sim, em revistas especializadas e songbooks encontramos normalmente as músicas com as duas formas de escrita e também é comum vermos cifras ou tablatura com divisão rítmica, que de certa forma tenta unir as duas linguagens . Sem falar que podemos localizar as notas pela tablatura e ler a sua duração pelas figuras da partitura ...... Agora vem a questão prática: vale a pena estudar a escrita musical formal, em partitura ? eu digo que sim, pois ela é útil em inúmeras situações, como gravações, transcrições, shows e até para você registrar suas idéias e passá-las para outros músicos . Veja a leitura musical como uma ferramenta a seu dispor e não como o objetivo final do seu estudo ! Quem nunca ouviu falar que o músico que não lê partituras é inferior aos que lêem ? isto é pura bobagem, pois ao falar isso a pessoa está dando uma importância exagerada à leitura e desprezando a essência da música, que é ela mesma em si . Ninguém faz uma música pensando na escrita, as pessoas compõem e depois alguém registra isto em partitura ..... sem a música não existiria a partitura, concordam ? Outra questão prática : como estudar, com quem estudar e onde estudar ? uma boa forma de adiantar-se é pesquisar em um bom livro de teoria musical para ir se acostumando às simbologias da escrita, bem como o funcionamento da partitura . Para colocar a coisa em prática sozinho já é muito mais complicado, pois envolve a execução da partitura no seu instrumento ou através do canto e você ficará sempre na dúvida se está certo ou não , mas vale a pena tentar as primeiras lições por experiência. Não é difícil encontrar em escolas livres, conservatórios e até em igrejas aulas de teoria musical, percepção e solfejo, então procure e se inscreva ! Só não esqueça que só a teoria não adianta, tem que praticar no instrumento ! Ultima questão : é difícil ? não, mas sendo uma nova linguagem é necessário que você decore as simbologias para entender o que se passa . É difícil ? prefiro não responder, mas dou uma dica : se você não estuda em uma escola de música ou conservatório, passe em uma e assista a uma aula de piano ou teclado e verá que crianças de 9 ou 10 anos já lêem partitura. Não somos menos capazes do que elas, somente temos um pouco de preguiça .

sábado, 25 de abril de 2009

Teoria das Escalas

Teoria das escalas


Como descrito na introdução, harmonia é um conjunto de sons... Começaremos estudando as escalas musicais: O que é uma escala? Escala é uma seqüência de notas que seguem uma orientação, baseada em uma nota principal, a TÔNICA. Bom, mas antes de entrarmos a fundo nesse assunto, é necessário vermos tom e semi-tom: Tom é o espaço que existe entre uma nota e outra. É formado de dois semi-tons. Semi-tom é o espaço mínimo que existe entre uma nota e outra em uma escala. Na verdade isso não é inteiramente verdade. Um semi-tom pode ser dividido em nove unidades denominada "COMA". O coma é a medida mínima do som. E daí se explica a desafinação de um instrumento ou voz. Se em um intervalo de um tom (2semi-tons) não se elevar ou diminuir som em EXATAMENTE 2 semi-tons ( ou seja, 18 comas) ocorre a desafinação. Exemplo: De DÓ para RÉ são dois semi-tons. Mas e a nota que está entre elas? Sustenido (#): é a alteração, ou elevação ascendente de um semi-tom a uma nota. EX.: DÓ-DÓ#. Elevou-se a nota DÓ i um semi-tom. Bemol (b): é a alteração, ou diminuição descendente de um semi-tom a uma nota. EX.: RÉ-RÉb. Diminui-se a nota RÉ i um semi-tom. OBS.: MI# e SI# "teoricamente" não existem. Isso não é verdade e será explicado mais a frente. Para se formar uma escala, usa-se a seguinte fórmula: T- t - t - st -t - t - t -st T=> tônica t=> tom st=> semi-tomExplicando: Tomando a nota básica ( T ), anda-se um tom, depois outro tom, depois um semi-tom,..., e por último outro semi-tom, retornando à tônica. Exemplo: Tomando como tônica a nota DÓ, deve substituir na letra T. Substituindo: DÓ-RÉ-MI-FÁ-SOL-LÁ-SI-DÓ. Entendendo: De DÓ para RÉ existe um tom( DÓ-DÓ#-RÉ). De RÉ para MI existe um tom( RÉ-RÉ#-MI). De MI para FÁ existe um semitom( MI-FÁ), já que teoricamente MI# não existe. E assim por diante. Daí para frente é só usar a formulazinha e substituir a tônica pela nota da escala desejada. Exemplo: Escala de FÁ. Substituindo: FÁ- SOL- LÁ- SIb- DÓ-RÉ-MI-FÁDe FÁ para SOL existe um tom (FÁ-FÁ#-SOL) De SOL para LÁ existe um tom (SOL-SOL#-LÁ) Agora vem a pergunta: porque é SIb e não LÁ#? Não é a mesma coisa? R.: Ao ouvido é a mesma coisa sim. Mas na hora de se ler uma partitura de uma música em FÁ jamais você vai encontrar um LÁ#.Treine isso e faça com as outras escalas. ExplicaçãoGeralmente o pessoal acha que escalas é muito fácil e aprende de qualquer jeito, isto é, aprende errado. Agora vou mostrar o porquê do MI# e SI#.O "x"da questão é o seguinte: as pessoas não sabem que é OBRIGATÓRIO as escalas terem todas as 7 notas musicais(C,D,E,F,G,A,B). Mas como assim? Veja o exemplo (agora na nomenclatura de CIFRA) ESCALA DE DÓ: C, D,E,F,G,A,B,CSimples certo. Tem todas as notas musicais de C a C. Agora a escala de D: D,E,F#,G,A,B,C#.D. Bom ainda está fácil, certo? Tem todas as 7 notas musicais de novo.Agora mais uma, a de E: E,F#,G#,A,B,C#,D#,ESem mistério. Agora já muda uma pouco com a de F. Responda: qual está certa? Essa: F,G,A,A#,C,D,E,F; ou essa: F,G,A,Bb,C,D,E,F; Ou as duas estão certas? Se você acha que é a primeira, você pensou como muitos por aí, A certa é a 2ª e só a 2ª. Por que? R.: é como eu já havia dito: TODAS AS ESCALAS DEVEM TER TODAS AS NOTAS MUSICAIS. Explicação: Na escala de F, seguindo a nossa fórmula, vemos que da terceira para a quarta nota deve haver um intervalo de apenas meio tom. No caso A(3º) para supostamente A#(st). Por que não pode ser A#? Simples: porque já tem uma nota A na escala, não pode haver outra, porque senão iria faltar uma das notas musicais, no caso a nota B. Então ao invés de usarmos A# devemos usar Bb, que é sonoricamente a mesma coisa. Uma coisa deve ser muito bem entendida: INDEPENDENTE DE SER SUSTENIDO OU BEMOL, A NOTA LÁ SEMPRE VAI SER LÁ (A, Ab, A#). O MESMO VALE PARA QUALQUER OUTRA NOTA MUSICAL. Por exemplo (pra não restar mais dúvida): C, Cb e C# TODAS são Dós. Então se uma escala se estiver faltando a nota DÓ vai ser dessas três. Mas a verdade é que existem ainda mais outros dois símbolos que alteram a elevação do som de uma nota. x (na verdade é um "x" um pouco diferente, mas este serve): este é o DOBRADO SUSTENIDO. Altera i dois st ascendentes a nota. bb: DOBRADO BEMOL. Altera i dois st descendentes a nota. Agora o E# e o B#:Agora que você já entendeu a colocação acima( se não entendeu volte e entenda) tente fazer a escala de C#. TENTE! Bom, pra começar use a nossa fórmula. Você, logicamente, deve ter percebido que se na escala de C nenhuma nota era sustenida agora todas vão ser. Antes era: C,D,E,F,G,A,B,C. Agora sustenizando todas as notas teremos: C#,D# e...... não tem jeito; tem que ser E#! Depois F#, G#, A#, e.......B#.Pronto! Agora outro exemplo simples: ESCALA DE D#:D#, E#......, e agora? Antes o F já era sustenido. Só resta usar o DOBRADO SUSTENIDO! Então fica: D#,E#,Fx,G# A#, B# e por fim CxO mesmo se aplica à escala de Fb: FB, Gb, Ab, e......Bbb, Cb,Db,Eb,Fb. Este assunto é muito importante, se você o entender bem não terá dificuldade nas próximas lições, pois elas estão todas baseadas neste teoria.

sexta-feira, 24 de abril de 2009

Jazz



Jazz

O modo dórico é construído no segundo grau da escala maior, usando-se as mesmas notas dessa escala. Por exemplo, a escala dórica de Ré é montada com as notas da escala Dó Maior, a partir do Ré, e consiste de "Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Si, Dó". O modo dórico é muito parecido com uma escala menor, mas o sexto grau é elevado em meio tom. Ou seja, a escala Ré Menor teria um Si Bemol, enquanto o modo dórico tem um Si.
Como ele parece tanto com a escala menor, é natural tocar esse modo sobre um acorde de sétima menor. Aliás, ele é usado com mais freqüência do que a própria escala menor. Se você for ao piano e tocar um acorde Dm7 ("Ré, Fá, Lá, Dó") com a mão esquerda, e tocar as notas do modo dórico de Ré e da escala menor de Ré na mão direita, vai provavelmente concluir que o modo dórico soa melhor, porque o Si é menos dissonante contra um acorde Dm7 do que o Si Bemol. Se você usar o modo dórico sobre um acorde de sétima menor, não há notas evitadas.
Do mesmo modo que com o acorde de sétima maior, você pode acrescentar terças ao acorde de sétima menor para fazer Dm9, Dm11 e Dm13. Esses acordes ainda implicam o uso da mesmo modo dórico. Se você usar a escala menor natural, o acorde de décima-terceira contém a nota Si Bemol, que é um tanto dissonante nesse contexto.
Esse acorde é raramente usado, mas quando ele é pedido, é geralmente notado Dm7b6, e é uma das poucas exceções à regra de que a maioria dos acordes são grafados em termos das extensões com números ímpares acima da sétima. Essa regra vem do fato de que os acordes são tradicionalmente feitos pela sobreposição de terças. A notação Dm6 é às vezes um sinônimo de Dm13 quando o Si natural é explicitamente pedido.
Na teoria clássica, há três tipos de escala menor. A escala menor que já discutimos, o modo eólio, é também chamada de escala menor natural ou pura. As duas outras escalas menores foram derivadas dela para oferecer possibilidades harmônicas e melódicas mais interessantes.
Se você construir uma progressão ii-V-I numa escala menor, vai descobrir que o acorde de sétima construído sobre a tônica é um acorde de sétima menor, e o acorde de sétima construído sobre o segundo grau é um acorde de sétima meio diminuto.
Por exemplo, Am7 e Bm7b5 na escala Lá Menor. O acorde construído sobre o quinto grau dessa escala é um acorde menor, por exemplo Em7 em Lá Menor. A resolução de Em7 em Am7 não é tão forte quanto a de E7 em Am7. Além disso, o Am7 não soa como uma tônica; ele soa como se precisasse resolver num acorde de Ré Maior. Ao elevar o sétimo grau da escala menor em meio tom (isto é, elevar o Sol de Lá Menor para Sol Sustenido), esses problemas são resolvidos.
O acorde construído no quinto grau é agora um E7, e o acorde de sétima construído sobre a tônica é uma tríade de Lá Menor com uma sétima maior, geralmente notado Am-maj7. Isso cria um ii-V-i muito mais forte. A escala resultante, "Lá, Si, Dó, Ré, Mi, Fá, Sol Sustenido", é chamada de menor harmônica, porque se entende que ela gera harmonias mais interessantes que a escala menor natural.
O sétimo grau de uma escala maior é às vezes chamado de nota sensível, já que está somente meio tom abaixo da tônica e encaminha muito bem a ela melodicamente. O sétimo grau da escala menor natural, por sua vez, está um grau inteiro abaixo da tônica e não encaminha tão bem para ela. Embora a escala menor harmônica contenha uma nota sensível, se você tocar essa escala, notará que o intervalo entre o sexto e o sétimo graus (o Fá e o Sol Sustenido na escala Lá Menor Harmônica) é estranho melodicamente.
Esse intervalo é chamado de segunda aumentada. Embora ele soe exatamente como uma terça menor, não há tons na escala entre as duas notas. Esse intervalo é considerado dissonante na harmonia clássica. Para consertar a situação, a sexta pode ser elevada meio tom também (de Fá para Fá Sustenido) para gerar a menor melódica.
Na teoria clássica, essa escala é geralmente usada somente de modo ascendente. Quando descendente, já que o Sol Sustenido não é usado para encaminhar para a tônica Lá, a menor natural é geralmente usada em seu lugar. A harmonia de jazz normalmente não distingue esses casos, contudo. A escala menor melódica ("Lá, Si, Dó, Ré, Mi, Fá Sustenido, Sol Sustenido") é usada tanto no sentido ascendente quanto no descendente.Tanto a menor harmônica quanto a melódica delineiam um acorde m-maj7 no primeiro grau, por exemplo um Am-maj7 ("Lá, Dó, Mi, Sól Sustenido") em Lá Menor.
Tanto a escala menor harmônica quanto a menor melódica podem ser usadas sobre este acorde. A menor melódica também é usada sobre acordes marcados simplesmente m6, embora, como foi observado antes, esse símbolo possa também implicar o modo dórico.
Vários dos modos da escala menor melódica geram harmonias particularmente interessantes e são tocados com freqüência no jazz. Essas escalas não são normalmente descritas na teoria clássica, por isso os nomes delas são menos padronizados que os modos da escala maior.Frígio com Sexta Maior Lídio Aumentado Lídio Dominante Quinto Modo Lócrio com Segunda Maior Escala Alterada
Os modos gregos nada mais são que escalas derivadas da escala maior. A principal diferença está na configuração dos intervalos com relação à tônica: Na escala maior temos a fórmula: Tônica, 2ª maior, 3ª maior, 4ª justa, 5ª justa, 6ª maior e 7ª maior (simplificando a notação: T, 2, 3, 4, 5, 6, 7M).
Se pegarmos o modo dórico, por exemplo, teríamos a seguinte configuração: T, 2, 3m, 4, 5, 6, 7m. Podemos notar que a 3ª e a 7ª foi diminuídas em um semitom. Essa alteração causa uma diferença bastante significante em relação à sonoridade da escala.
Abaixo estão listados os modos derivados da escala maior(ou menor natural) e suas respectivas configurações:
Modo --> Configuração --> Exemplo com a tônica em E Jônio --> T, 2, 3, 4, 5, 6, 7M --> E, F#, G#, A, B, C#, D# Dórico --> T, 2, 3m, 4, 5, 6, 7 --> E, F#, G, A, B, C#, D Frígio --> T, 2m, 3m, 4, 5, 6m, 7 --> E, F, G, A, B, C, D Lídio --> T, 2, 3, #4, 5, 6, 7M --> E, F#, G#, A#, B, C#, D# Mixolídio --> T, 2, 3, 4, 5, 6, 7 --> E, F#, G#, A, B, C#, D Eólio --> T, 2, 3m, 4, 5, 6m, 7 --> E, F#, G, A, B, C, D Lócrio --> T, 2m, 3m, 4, b5, 6m, 7 --> E, F, G, A, Bb, C, DModo Jônio
Este modo é o primeiro modo do campo harmônico maior. Note que sua fórmula é igual a da escala maior. O modo Jônio tem uma sonoridade alegre, e é bastante usado na música popular.
Tabela de Soluções (tônica = A): Acordes mais usados --> I, I7M, Isus4, I9 e I13 --> A, A7M, Asus4, A9 e A13. Harmonia característica --> I V/I IV/I --> A E/A D/A Tríades --> I, IV, V e III --> A, D, E e C#m Tétrades --> I7M, IIIm7, Vsus4 e VIm7 --> A7M, C#m7, Esus4 e F#m7 Pentatônicas --> I, IV e V --> A(F#m), D(Bm) e E(C#m)
Modo DóricoO modo Dórico tem uma sonoridade mais tensa e fechada, e é bastante usado no rock, blues e jazz.Tabela de Soluções (os graus são considerados em relação ao Campo Harmônico de G): Tríades --> II, I, IV, V --> Am, G, C e D Tétrades --> IIm7, IV7+, VIm7, VIIm7(5b) e I7+ --> Am7, C7+, Em7, F#m7(5b) e G7+ Pentatônicas --> IIm7, IIm6M, VI, III --> Am, Am6, Em e Bm

Dicas aos Músicos

Super dicas aos músicos :




1- O músico precisa aprender a se "mixar" no grupo, aprender a ouvir os outros instrumentos, afinal, é um conjunto musical.
2- Todo músico deve treinar prática de conjunto se quiser amadurecer mais rapidamente.
3- A teoria musical é fundamentalmente necessária, mas entre a teoria e a prática há uma distância que poucos querem percorrer.
4- "Um bom médico não é aquele que receita um remédio sem saber o que está fazendo. Um bom músico não é aquele que toca sem saber o que faz".
5- Autodidata - Há um engano no uso deste termo, pois há muitos analfabetos musicais dizendo-se autodidatas (uma desculpa para a preguiça), autodidata é aquele que estuda sem um professor, mas estuda.
6- Uns falam antes de tocar algo, outros tocam antes de falar algo. Eis a diferença entre "músicos" e músicos.
7- O músico deve aprender a conduzir uma música como ela é e não como ele acha que deve ser. Isto é maturidade.
8- Há músicas em que o metrônomo só serve para o primeiro compasso, porque necessitam de uma interpretação flexível.
9- A pulsação rítmica bem como o andamento são para serem sentidos e não ouvidos. Este princípio é para todos, mas fundamental para bateristas e percursionistas.
10- Acompanhar um cântico é antes de tudo uma prática de humildade e sensibilidade. Nas igrejas, geralmente, os músicos querem mostrar toda a sua técnica em hora errada. O correto é usar poucas notas, não saturar a harmonia, inserir frases nos espaços melódicos apenas, e o baterista conduzir. Ou seja, economize informações musicais!
11- Há uma tendência atual de supervalorizar a velocidade do músico, quantas notas ele executa por tempo. Velocidade não é sinônimo de bom músico. O bom músico é aquele que tem a sensibilidade de fazer a coisa certa na hora certa. A velocidade é uma consequência.
12- A técnica deve ser estudada e sempre aprimorada, mas lembre-se de que é um meio de facilitar a execução da música e não um meio de exibicionismo.
13- Uma boa maneira de aprimorar a interpretação é aprender primeiro a se ouvir, depois executar. Tem gente que canta e toca e não sabe o que está fazendo; acostume então a gravar o que é executado e seja autocrítico, estude, grave e ouça o que estudou; com o tempo você encontrará a forma ideal para a sua execução.
14- Lembre-se: pausa também é música, portanto, "não sole na pausa".
15- A música possui três elementos básicos: harmonia, melodia e ritmo. Procure distribuir os instrumentos musicais no arranjo conforme estes elementos. Há instrumentos harmônicos e melódicos, há somente melódicos, há rítmicos e instrumentos que fazem os três, mas defina no ensaio ou arranjo, quais serão os devidos "papéis" para cada instrumento.
16- A escolha do tom de uma música depende do canto; este deve ser dentro da tessitura vocal e confortável para ela. Mesmo que o tom escolhido não seja o mais confortável para o instrumentista ele deve executá-lo. Outra observação é que o tom pode influenciar na soronidade da música vocal com acompanhamento. O problema é que muitos confundem. Na música instrumental, a técnica e a expressão são mais exigidos porque as notas devem transmitir algo. Na música onde há o canto, a ênfase é para a mensagem, portanto, não deve ser interferida por outros elementos.
17- Versatilidade - Procure ser o mais possível. Saiba ouvir vários estilos, do erudito ao moderno, ouça com ouvido crítico e analítico. Saiba ouvir. Extraia coisas boas de cada estilo. Outro detalhe, é o músico não ficar "preso" somente ao seu instrumento, saiba apreciar a forma de execução como sonoridade e fraseado de outros instrumentos.